TOYS FOR BOYS | Edición 4

Este año ha sido representado por cambios globales sin precedentes que dan lugar a la utilización de algo más que la creatividad. La industria del mundo del lujo no ha sido la excepción y en esta edición icónica de Toys for Boys nuestros lectores podrán experimentar historias que se salen, por completo, de lo convencional.

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TOYS FOR BOYS | Edición 3

La vida está hecha a través de experiencias. La forma en la que nuestro entorno, nuestras aventuras e incluso cómo los fracasos nos moldean, dice mucho de nuestro presente. A veces, cuando empezamos, no sabemos a dónde nos llevará el camino, pero al final del mismo y, más a menudo de lo esperado, nos damos cuenta de cuál es el mayor propósito. En nuestra tercer edición de Toys for Boys México exploramos a tres titanes de la industria, que como resultado de sus muchas incursiones y de la experiencia obtenida, han logrado transformar el mundo.

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TOYS FOR BOYS | Edición 2

Si es usted una persona que no soporta traer los mismos lentes de sol que la persona que está sentada a su lado… su búsqueda ha terminado. Nos hemos unido, este verano, al fabricante de lentes italiano, Italia Independent, para colaborar con este esencial accesorio.

Esta colección presenta dos diseños limitados a 150 pares cada uno, disponibles sólo en línea y en la boutique de Toys for Boys, Miami.

Antes que nada, mi relación personal con Lapo fue un factor importante. Desde el día en que nos conocimos, fue obvio que compartíamos una visión y un espíritu empresarial muy similares. Creo que nuestra casa editorial sigue la misma ruta que Italia Independent; los dos hacemos lo inesperado, manteniendo un sentido de consciencia de clase y sensibilidad cultural. Durante el proceso de diseño, aprendí mucho de Lapo e Italia Independent y eso es algo muy importante para mí. Me impresionó cómo abordan un nuevo proyecto y transforman una idea sencilla en una nueva colaboración.

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TOYS FOR BOYS | Edición 1

At Toys for Boys we are adamant about making sure that our lifestyle concepts are consistent across the board. From our print publication and digital platforms to other extensions of our brand including our boutique and budding Toys for Boys Properties division we aim to achieve consistent, well-timed and carefully executed growth. How do we ensure this? We invest our resources in the wonderment of today and the hope of our tomorrow to fuel our dreams and by arming ourselves with great teams–a fool-proof plan as exampled by the success stories highlighted within the pages of this, our sixth issue.

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Rudolf Budja | EL VIAJE INTERCONTINENTAL DE UN COLECCIONISTA AUSTRIACO

Rudolf Budja, el galerista homónimo detrás de la Galería Rudolf Budja, entró desde arriba, en cierto sentido, al mundo del arte.

Era 1986, y Budja, un austriaco de Graz, decidió partir a Estados Unidos. “Me fui a Miami cuando tenía 18 años, el día de mi cumpleaños. Esa fue la huida de mi casa.” No obstante, su plan resultó ser algo permanente y pre-determinado. “Quería irme de vacaciones dos      semanas,” dice Budja, “y terminé pasando dos meses en Miami. Durante la escala en Nueva York, cuando iba de regreso a Austria, decidí quedarme.”

En ese tiempo, Budja no había desarrollado aún su amor por el arte y su buen ojo – trabajó como DJ, pasando mucho tiempo en los clubes de Nueva York. Esto fue en el 86 que era el momento perfecto para el mundo del arte. Budja dice que conoció a Jean-Michel Basquiat en Area, el club nocturno de Hudson Street, así como a otras celebridades y artistas que frecuentaban el club. “Era un tipo cool”, dice Budja de Basquiat. “Quería la tornamesa, pero realmente no sabía lo que hacía.” Era un contraste con el genio artístico que él era, como después se enteraría Budja.

Mientras todos bebían en exceso, Rudolf bebía agua, porque tenía menos de 21 años y era un deportista activo. “Todos me decían Rudolfo Minerales,” dice riendo. Un recuerdo de esos días, que aún permanece en su memoria, es haber visto a Andy Warhol en una tienda de comestibles, en SoHo. Esto fue un suceso de serendipia, ya que Budja pronto empezaría a adquirir una colección impresionante de Warhols y de muchos otros artistas pop y modernos. “Era sólo un niño recorriendo y tocando música en Nueva York”, dice Budja sobre de esos tiempos.

Después de un año en Nueva York, se fue a Los Ángeles. “Ahí fue donde realmente adquirí mi educación artística,” dice. Budja pasaba el rato y compraba en Gemini G.E.E., el histórico taller e innovador estudio de grabado, fundado en 1966. El joven Budja conoció a muchos artistas ahí y en la vida nocturna de L.A. y empezó a comprar una colección de arte. “Me pagaban con grabados por el trabajo que hacía,” dice. Budja decidió, abrir su primera galería a los 19 años, en su ciudad natal, Graz, en 1988.

Desde entonces, sus conocimientos de arte y su clientela han crecido en todos los continentes. Fue a abrir varias galerías en Europa, incluyendo Salzburgo y Viena, y su colección aumentó hasta incluir una serie de prestigiados artistas Pop y conceptuales. Uno de los primeros fue su compatriota el austriaco Erwin Wurm. “Es un artista que descubrí cuando era muy joven. Ahora tengo cerca de 100 obras de él, la colección más grande de su trabajo,” dice Budja. Wurm, un artista poco conocido, pero que ha ingresado al canon crítico, “entró en la mente de la gente influyendo para que hicieran cosas que nunca harían por sí solos,” dice Budja. “Se dio cuenta de que podía hacer esculturas de estas personas, tomando una fotografía. Las llamó Esculturas en un Minuto.”

“Usted no compra sólo una obra de arte, compra toda una experiencia, una historia.”

En los años siguientes, Budja ha montado importantes exposiciones que proclaman la fuerza y diversidad de sus adquisiciones: una exposición de fotografías de Marylin Monroe, de Laurence Shiller, los trabajos de David LaChapelle y, desde luego, muchas exposiciones de Wharol y otros artistas Pop fundamentales. Ha estado coleccionando Wharols desde los años 80. “En ese entonces pagué muy poco por ellos – no eran baratos entonces, pero no se acercaban para nada a lo que valen ahora.” Sin embargo, Budja no adquiere todas las obras sólo para venderlas. “Algunas veces estoy tentado, sería tan fácil venderlas y tener mucho dinero para jugar. Vendo otros trabajos, pero hay ciertas obras que nunca vendería.”

El coleccionista austriaco no sólo está interesado en el arte occidental – con los años, ha acumulado una colección de arte asiático y ha montado varias exposiciones de artistas chinos contemporáneos. Colecciona arte japonés para sus tres hijas. Esto apunta a un campo en el que su ojo se ha perfeccionado. Hasta ahora, Budja ha atendido a miles de clientes en los últimos treinta años. Su red internacional lo tiene estableciendo conexiones globales. “Es interesante ver a diferentes artistas, que no se conocen entre sí, haciendo cosas similares. Si averiguas qué está pasando, empiezas a ver el siguiente paso. Utilizo esto como herramienta para saber con qué artistas trabajar en la galería.

Aunque ha montado varias exposiciones en espacios de Miami, ahora está planeando abrir un espacio más permanente. Al principio no era así: “Simplemente recorría Miami cuando estaba aburrido,” dice sobre sus primeros años en la Ciudad Mágica. “No era nada formal, pero ahora quiero hacer un nuevo espacio.” Actualmente, Budja está renovando una bodega de 10,000 m2 en Miami Beach, y estará abriendo en diciembre de este año.

A fin de cuentas, se trata de algo más que sólo exposiciones internacionales o de comprar y vender arte. “Lo que en verdad hacemos en mi profesión es –antes que nada – hacer feliz a la gente ayudándola a reunir artículos coleccionables, para tener una colección realmente buena. No se trata sólo de dinero, sino de personas y lo que de verdad aman y aprecian,” dice Budja.

Santino Sverdlov | EN EL PATIO DE JUEGOS DE SANTLOV

Lo que Santino Sverdlov tiene que decir acerca de cuándo la vida empieza a imitar a la vida.

Santino Sverdlov, también conocido como @Santlov, tiene una vibra auténtica. No tiene ninguna capacitación formal, ni pretende haber sabido siempre que quería ser artista. Estaba explorando en la escuela de medicina cuando empezó a pensar en juguetes. Tiene una compresión innata de los beneficios y los riesgos de la forma en que el mundo está cambiando, y tiene algo que decir al respecto. Toys for Boys habló con Stanlov para obtener el esquema de los juguetes como fantasía, concepto colaborativo y de cómo la publicidad es una estupidez, o algo así.

——— Q & A ———

TFB: Platícame tus antecedentes y cómo decidiste incursionar en el arte.

SS: Nací en Cuba.  Mi familia se exilió a Panamá cuando era muy pequeño y después llegué a Miami cuando tenía alrededor de 3 años.  Sin capacitación formal o experiencia alguna, incursioné en el mundo del arte, hace cerca de 5 años.  Precisamente cuando estaba esperando a mi primer hijo, entré a la escuela de medicina… afortunadamente, el arte me salvó. En realidad, eso también fue justo en la época en que se lanzó Instagram. En ese entonces se comercializaba como una nueva aplicación para que los fotógrafos o artistas compartieran su trabajo con otros, en la comunidad artística, así que se me ocurrió que no había mejor lugar para exhibir algo de mi trabajo de “pasatiempo”. Después de unos meses, el trabajo empezó a mejorar; me puse a meditar mucho más en los conceptos y diseños que sacaba y empecé a llamar la atención en serio. Desde entonces, todo ha sido una especie de bola de nieve.

TFB: Cuéntame sobre el comentario social detrás de fotografiar juguetes y cómo escoges los que fotografías, sobre cómo cambia el arte, junto con el entorno sociopolítico actual.

SS: ¿Qué es lo que todos dicen? ¡El arte imita a la vida! Algunas de mis obras pueden ser consideradas como reutilización estética de imágenes recicladas. Pueden entrar en esa categoría hasta cierto punto; pero la verdad es que, conceptualmente, mis temas provienen de un reino del descontento – un fenómeno en el que, irónica pero no sorprendentemente, la Vida imita a la Vida. Hay un razonamiento específico detrás del uso exclusivo de juguetes en mi trabajo. Los juguetes son objetos artificiosos; empujados en la garganta de nuestros hijos, y luego utilizados negativamente como herramientas de capacitación. Una droga de entrada que los prepara para la autocomplacencia y el consumo excesivo, mientras los guía hacia las garras de los medios masivos y los esquemas de comercialización. Cuando un niño recibe su primer juguete, él o ella tiene su primera posesión, su primera cosa; y, cuánto llegamos a amar esas “cosas”. Y seguramente, pronto “necesitaremos” más. La semilla de la falacia se planta mientras somos moldeados en una cultura en donde el adoctrinamiento es, si haces A, para tener B, serás C (feliz) o, entre más B tengas, más C serás. Para mí, un juguete es la idealización de la existencia humana moderna. Creado para servir a una directriz sin sentido, sólo para ser desechado sin esfuerzo y, eventualmente, olvidado. La serie Toys RL ikeus hace, con suerte, que el espectador se cuestione la pseudo realidad en  la que vivimos. El sistema no cambiará por completo. Sólo podemos desconectarnos aquí y allá. Tristemente, por ahora, tener un pie adentro y otro afuera, es lo más que podemos hacer. Estoy seguro de que mis conceptos futuros correrán por las mismas venas socialmente progresivas.

TFB: Cuéntame acerca de algunas colaboraciones que has hecho en el pasado, como con Kiehl’s, por ejemplo, y cómo es tu enfoque al trabajar junto con otra marca, comparado con cuando estás haciendo arte para tus propios fines.   

SS: Cuando estoy creando para mí, es como un alivio de sentimientos y tensiones personales, provocados por percepciones, o ideas equivocadas de los problemas de la vida, que nos rodean a todos. En algunos proyectos de colaboración, puedo no llegar tan al fondo, pero trato de poner algo. He hecho algunas colaboraciones y una de las que más he disfrutado fue con Kielh’s. Los ejecutivos fueron muy abiertos en sus expectativas y me pusieron muy pocas restricciones en la dirección creativa – lo cual puede ser una bendición o una maldición para cualquier artista que trabaje para una gran corporación. Para el proyecto de Kiehl’s tuve la oportunidad de instalar visuales en la fachada de su nueva ubicación, en Lincoln Road, durante el Art Basel que, entonces, era algo como un experimento para mí… Me encanta emprender proyectos que me permiten llegar a mi límite. Si no me estoy preguntado cómo voy a lograr algo, quizá no debería estar haciéndolo. El producto final fue fantástico. Se suponía que sólo iba a mantenerse una temporada.  Creo que lo conservaron y que todavía lo tienen en exhibición.  Incluso terminé comisionado para otros trabajos a exhibir en sus oficinas corporativas.

TFB: ¿Cuáles son algunos proyectos únicos que puedes tener en obra y que puedes compartir con nosotros?

SS: Acabo de terminar un mural Skellington 90’ frente a la carretera 395 y estoy ansioso por seguir trabajando en ese tipo de medios. Creo que esto abrirá nuevas puertas para exhibir mi trabajo, estoy deseando ver a dónde me llevará.  En cuanto a cosas nuevas, soy muy supersticioso con cualquier energía negativa que pueda afectar o matar un proyecto por hablar de él antes de tiempo. No me gusta hablar de nada hasta que está totalmente materializado o incluso terminado.

TFB:  ¿Cómo dirías que fue tu inicio, o quién fue la primera persona que adquirió tu arte y que te dio tu primera oportunidad?

SS: Para muchos nuevos artistas, una parte importante de su crecimiento se debe a la exposición de algún coleccionista célebre u otros consignatarios famosos. Yo no quise seguir ese camino, nunca me verán en mis redes sociales subiendo a coleccionistas famosos con mi trabajo, o a mí, presumiendo ventas agotadas – nada de esa basura de mercadotecnia que todos adoran. Veo alrededor y veo sobre todo artistas/marca sobre publicitados, arrogantes, débiles / conceptualizados. Tristemente, es como el 90% de lo que hay afuera. Mi trabajo es lo que atrae a la gente… las conexiones con los coleccionistas, los seguidores o fans, que me comprenden a mí y a mi visión, son la verdadera razón por la que estoy aquí. Tú estás aquí. No una treta para atraerte con el éxito y la riqueza, tratándote como un tonto. La gente tiene que dejar de ser engañada y realmente dejar de caer en esa mierda… ¡despierten! Dicho esto, hay personas clave que, a lo largo de mi camino, me han ofrecido ayuda; para dar un paso más arriba. Estoy eternamente agradecido con ellos y espero que ellos sepan quiénes son.

TFB: ¿Cuál crees tú que será el rumbo que tomarás en el futuro? ¿Cómo ves el cambio en tu arte, o a ti mismo cambiando dentro o a través de él?

SS: Hago esta cosa privada, mental, en la que visualizo cómo será mi trabajo en unos años: ¿qué temas estaré fotografiando? ¿Será pintura, medios combinados, etc.? Pienso que camino por un campo e imagino qué diferente sería todo. La belleza del arte y el verdadero poder detrás de él, es lo que te obliga a tener una existencia más consciente y atenta.  Se evoluciona cuando hay un auto despertar. A medida que yo evolucione, evolucionará mi trabajo, estoy deseando ver cómo.

TFB: Muchos de los “juguetes” que fotografías son imágenes de tu niñez, ¿cómo afecta al arte el ser padre, en el sentido de ver tanta novedad frente a ti constantemente?

SS: Hoy, todo parece una versión reciclada y diluida de mi infancia. En todo caso, toda ella sirve sólo como refuerzo de mi mensaje sobre nuestro estado paradójico actual de basura no auténtica.

TFB: ¿Quién es alguien con quien te encantaría colaborar?

SS: Me encantaría tener una máquina del tiempo y colaborar con varios artistas que ya han muerto. O, mejor aún, traerlos al futuro y ver qué trabajo que se les ocurriría después de viajar en el tiempo.

TFB: ¿Hay algún artista o creador de algún tipo que te haya inspirado para dar el salto al arte?

SS: Creo que cada obra de arte que uno ve, y cada artista que uno admira o conoce, inspira e inevitablemente deja de alguna forma una huella en uno y, por consiguiente, en nuestro trabajo.

Ascenso de la máquina, 2014

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Soldados  arriba de un rascacielos, 2015

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